El presagio de la erupción del Vesubio fue
Fuerte terremoto, 5 de febrero del 62 d.C. mi.
El desastre causó grandes daños a la ciudad,
casi todos los edificios de una forma u otra
grados fueron dañados. La mayoría de los edificios
ha sido renovado, pero algunos
el daño permaneció hasta la destrucción de la ciudad.
La erupción del Vesubio comenzó por la tarde
24 de agosto de 79 y duró aproximadamente un día, aproximadamente el cual
algunos testifican
manuscritos supervivientes.
Condujo a la destrucción de tres ciudades:
Pompeya, Herculano, Estabia y varios
pequeños pueblos y villas.

Durante las excavaciones resultó que en las ciudades.
todo se ha conservado como era antes
erupciones. Bajo multímetro
calles, casas con
situación completa, restos humanos y
animales que no tuvieron tiempo de escapar.
La fuerza de la erupción fue tal que las cenizas de
llegó incluso a Egipto y Siria.

Vesubio y la muralla de Pompeya en 2010

De los 20.000 habitantes de Pompeya en los edificios y en las calles
unas 2.000 personas murieron. Mayoría
Sin embargo, los residentes abandonaron la ciudad antes del desastre.
Los restos de los muertos se encuentran afuera.
ciudades.

Desde 1863 excavaciones.
condujo
José Fiorelli.
En 1870 descubrió
¿Qué hay en lugar de los cuerpos de las personas?
y animales,
enterrado bajo una capa
ceniza volcánica,
se han formado vacíos.
Llenando estos vacíos
yeso, tuvo éxito
reconstruir
poses de muerte
víctimas de la erupción.

Las paredes interiores de las casas romanas estaban cubiertas de frescos,
estudiado principalmente en el ejemplo de Pompeya,
Herculano y Estabio.

INcrustación o
estructural (150-80 años
antes de Cristo mi.) -
caracterizado por oxidación (mampostería o
revestimiento de paredes con piedras y toscas,
superficie frontal convexa) y
pintura imitando revestimiento
losas de mármol. Originado bajo
influenciado por el arte helenístico, a menudo
hay reproducciones del griego
pinturas

ESTILO ARQUITECTÓNICO (80 aC -
14 años) - en las paredes lisas representadas
columnas, cornisas, arquitectura
composiciones, paisajes que crearon la ilusión
volumen y espacio que se extienden en la distancia. EN
En las pinturas aparecen figuras de personas.
Se crean figuras múltiples complejas.
composiciones, a menudo basadas en mitológicos
cuentos.

Estilo arquitectónico de pintura interior.

En este tipo de pintura se destacan elementos como
cornisas y frisos con sarmientos,
no se crean a partir de yeso, sino que se dibujan, con
hábil destreza creando ilusiones de color y
oscuridad. que durante la primera
El estilo se realizó en volumen y relieve.
Según el primer estilo, la innovación en
efecto trompe l'oeil (esta es una técnica de dibujo que utiliza
que se implementa como una “ilusión óptica”, en las paredes
Se dibujan ventanas, puertas o atrio para crear.
la impresión es que la habitación es más grande de lo que es)
implementado en la pared, en el que en su lugar
plintos, pedestales lisos fueron dibujados con
columnas falsas, nichos y puertas detrás
que se abrió la perspectiva.

EGIPTIZADO o
ornamental (desde el 14 d.C.) -
transición a adornos planos, en
enmarcado por el cual fueron colocados
pinturas,
generalmente con un tema pastoral.

FANTÁSTICO o en perspectiva ornamental (del 62 d.C.) -
Aparecen paisajes fantásticos,
la arquitectura representada se parece
escenografía teatral, cesando
obedecer las leyes de la física. Fotos con
Las imágenes de personas se vuelven
Más dinámicos la mayoría de los edificios de Pompeya.
decorado con cuadros de este estilo.

Frescos de la Villa de los Misterios

La villa lleva el nombre de quienes la recibieron.
Los frescos son ampliamente conocidos en
una de las habitaciones al sur del atrio, donde
representado en la mayoría
versión común,
iniciación en lo dionisíaco
misterios,
por el otro, una ceremonia nupcial.

El comienzo de la Santa Cena.

Una pintura que representa una acción teatral.

Retrato de una poetisa.

Retrato de recién casados.

En una decoración ornamental con un gran
los bodegones se introducen con habilidad.

Vestidor con bóvedas decoradas con frescos Flavios
(cupidos, bacantes, trofeos), asientos de mármol y hornacinas para
almacenamiento de ropa. Términos estabianos.

Una parte integral de la decoración de una rica casa romana.
había suelos de mosaico, desde suelos simples,
en el que el patrón estaba dispuesto con guijarros blancos sobre
base de piedra triturada de cemento,
hasta los mejores mosaicos con complejas figuras múltiples.
composiciones
(Por ejemplo,
famoso
mosaico,
que representa la batalla de Alejandro Magno con
rey persa Darío).
Hay mosaicos con dibujos de cubos en perspectiva,
mosaicos que reproducen ilusoriamente cáscaras de frutas
suelo liso, imágenes en mosaico de patos, gatos, peces y
etc.

mosaico que representa la batalla de Alejandro
Macedonio con Darío III.

A la entrada de la casa hay un mosaico con la imagen
perros y con la inscripción “cuidado con los perros”.

Retrato de Fayún.

Retratos de Fayum - creados en
técnica de encáustica funeraria
Retratos en el Egipto romano de los siglos I-III. Tuyo
debe su nombre al lugar del primer gran
Hallazgos en el oasis de Fayum en 1887 por los británicos.
Expedición dirigida por Flinders Petrie.
Son un elemento de la cultura funeraria local modificada bajo la influencia grecorromana.
tradiciones: el retrato reemplaza lo tradicional
Máscara funeraria sobre una momia. Están situados en
colecciones de muchos museos de todo el mundo, incluidos
incluyendo el Museo Británico, el Louvre y el Museo
Metro en Nueva York

En total, hasta la fecha se han encontrado más de 900.
retratos.
La época de creación de estos retratos es del siglo I-III d.C.
- la época en que Egipto fue conquistado por los romanos.
Varios siglos antes, Egipto estaba gobernado por
Dinastía ptolemaica griega - descendientes
uno de los camaradas de Alejandro Magno.
La élite gobernante, por supuesto, también estaba formada por griegos.
Por tanto, no es sorprendente que simultáneamente con
arte tradicional egipcio
también estaba el arte de los conquistadores griegos
y arte helenístico sintetizado,
absorbiendo ambas tradiciones.

Esto afectó todos los aspectos culturales y
vida religiosa de los antiguos egipcios
el período especificado, incluyendo
ritos funerarios.
Nos han llegado ejemplos de rituales funerarios.
imágenes hechas en más
tradición antigua, en realidad egipcia
(máscaras funerarias en relieve), y en
más nuevo - grecorromano
(retratos funerarios).

coincide con la enseñanza cristiana).
De una forma u otra, el retrato de Fayum es una imagen
eterno, en cierto sentido – inmortal
personalidad.
Es precisamente esta circunstancia la que hace que el Fayum
retrato con icono.

"Retrato de un anciano
hombres"
(finales del siglo I d.C.)

Características de la composición.
La composición de un retrato de Fayum suele tener
construcción pecho a pecho (imágenes hasta la cintura
son menos comunes). Cabezas de personajes como
generalmente rotado a tres cuartos. Directo
Hay pocas imágenes frontales.
La mirada se dirige directamente o hacia arriba.
"espectador". La fuente de luz que forma
patrón facial en blanco y negro, más a menudo
"ubicado" arriba y ligeramente a la izquierda de
representado – lado derecho (desde el espectador)
Los rostros suelen estar oscurecidos, independientemente de
hacia qué lado está mirando el personaje, sombreado
el lado de la nariz se transmite por un amplio oscuro
línea.

"Retrato
joven
Romano",
principios del siglo III d.C.

Los rostros no reflejan emociones. Los ojos son a menudo
completamente abierto. El fondo es convencional, por lo general...
Luz simple u oro.
Característica estilística de la mayoría.
Los retratos de Fayum son asimétricos.
El lado izquierdo de la cara suele ser diferente del derecho.
(ojos, cejas, comisuras de labios, orejas, etc. pueden ser
diferentes tamaños, ubicados en diferentes niveles,
mostrado desde diferentes ángulos). Esta técnica no es
característico del arte helenístico,
en él se puede ver una nueva tendencia en pintura.
En esencia, este es el mismo intento de transmitir volumen.
sujeto y su distorsión de la perspectiva, pero más
dinámico y expresivo.

Fresco (del italiano fresche - fresco), affresco (italiano affresco) - pintura sobre yeso húmedo, una de las técnicas de pintura mural, lo opuesto a "a secco" (pintura seca). Cuando se seca, la cal contenida en el yeso forma una fina película de calcio transparente, lo que hace que el fresco sea duradero. Realizado por un artista del fresco.

Se desconoce la fecha exacta de aparición de los frescos, pero ya durante el período de la cultura del Egeo (segundo milenio antes de Cristo), la pintura al fresco se generalizó. Se trataba de pintar con pinturas, donde se utilizaba pegamento o caseína como aglutinante, y la técnica en sí se acercaba al “a secco”. La disponibilidad de materias primas (cal, arena, minerales coloreados), la relativa simplicidad de las técnicas de pintura y la durabilidad de las obras llevaron a la gran popularidad de las pinturas al fresco en el mundo antiguo. En el arte cristiano, el fresco se ha convertido en la forma favorita de decorar las paredes internas y (con menos frecuencia) externas de un templo de piedra.

En la antigua Rusia, la técnica de la pintura mural era principalmente mixta: la pintura con pinturas al agua sobre yeso húmedo se complementaba con la técnica de la cola al temple (fondo, registros superiores) con varios aglutinantes (colas de huevos, animales y plantas).

En Europa durante el Renacimiento, el dominio del arte de la pintura mural se convirtió en una de las medidas más importantes de la habilidad de un artista. Fue entonces cuando la pintura al fresco alcanzó su mayor desarrollo en Italia.

Según Vitruvio, en la antigua Grecia se utilizaba yeso de cal en varias capas con una superficie alisada hasta dejarla brillante para decorar las paredes exteriores e interiores de los edificios. De los griegos, los romanos adoptaron la costumbre de pintar las paredes con yeso; más tarde apareció la pintura mural con mortero recién aplicado, lo que se llamó in udo (“en húmedo”). El revoque de cal se aplicó en siete capas, añadiendo arena a las inferiores y virutas de mármol a las superiores. Para evitar la aparición de grietas, se introdujo una pequeña cantidad de agua en las soluciones y las capas se compactaron durante la aplicación. La resistencia del revestimiento se logró añadiendo leche, ladrillo triturado, piedra pómez y, en casos raros, cáñamo y paja. Así, la piedra pómez se encontró en las pinturas murales de Pompeya, no sólo en el yeso, sino también en las capas de pintura, donde se utilizaba como cal. La aplicación de yeso en varias capas permitió ralentizar el proceso de secado y, por tanto, aumentar el tiempo de trabajo sobre una superficie húmeda. La elección de los aglutinantes para las pinturas dependía del tipo de pigmentos utilizados. Como aglutinante se utilizó cola animal, cal pura y sus mezclas con caseína, clara de huevo y cola. Para preservar la pintura, Vitruvio aconsejó que después de que el fresco se hubiera secado, se cubriera su superficie con una mezcla de aceite y cera, y luego se calentara y secara la cera derretida.

Institución educativa estatal

educación profesional superior

"Universidad Estatal de Economía y Finanzas de San Petersburgo"

"Lenguas y culturas antiguas"

Resumen sobre el tema:

"Pintura antigua, mosaico, frescos, pintura de jarrones"

Elaborado por: Estudiante de 1er año

grupo L-101

Elena Krivskaya

Comprobado por: Semenikhina Maria Vasilievna

San Petersburgo

que es pintar

Retratos de Fayún

Claroscuro

perspectiva lineal

Perspectiva aérea

fresco antiguo

Mosaico en la antigüedad

pintura de jarrón

Bibliografía

que es pintar

Cuadro- un tipo de bellas artes cuyas obras se crean utilizando pinturas aplicadas sobre cualquier superficie dura. En las obras de arte creadas mediante pintura se utiliza el color y el diseño, el claroscuro, la expresividad de los trazos, la textura y la composición, lo que permite reproducir en un plano la riqueza colorida del mundo, el volumen de los objetos, su originalidad cualitativa y material. , profundidad espacial y ambiente ligero y aireado. La pintura puede transmitir un estado de estática y una sensación de desarrollo temporal, paz y riqueza emocional y espiritual, la inmediatez transitoria de una situación, el efecto del movimiento, etc.; En pintura, es posible una narración detallada y una trama compleja. Esto permite que la pintura no sólo encarne visualmente fenómenos visibles del mundo real, muestre una imagen amplia de la vida de las personas, sino también se esfuerce por revelar la esencia de los procesos históricos, el mundo interior del hombre y exprese ideas abstractas. Por sus amplias capacidades ideológicas y artísticas, la pintura es un medio importante de reflexión e interpretación artística de la realidad, tiene un importante contenido social y diversas funciones ideológicas.

pintura antigua

En la antigüedad, la pintura, que actuaba en unidad artística con la arquitectura y la escultura y decoraba templos, casas, tumbas y otras estructuras, no solo tenía fines religiosos, sino también seculares. Se han abierto nuevas posibilidades específicas de la pintura, que ofrecen una amplia representación de la realidad. En la antigüedad surgieron los principios del claroscuro y variantes únicas de la perspectiva lineal y aérea. Junto a los mitológicos, se crearon escenas cotidianas e históricas, paisajes, retratos y naturalezas muertas. El fresco antiguo (sobre yeso multicapa con una mezcla de polvo de mármol en las capas superiores) tenía una superficie brillante y lustrosa. En la antigua Grecia, casi no se conserva pintura de caballete (sobre tablas, menos a menudo sobre lienzo), utilizando principalmente la técnica de la encáustica (ver Pintura a la cera); Los retratos de Fayum dan una idea de la pintura de caballete antigua.

Retratos de Fayún

Estos son los mejores ejemplos supervivientes de pintura antigua. Representan los rostros de los habitantes del antiguo Egipto durante los períodos helenístico y romano en los siglos I-III d.C.

Tras la conquista de Egipto por Alejandro Magno, terminó el reinado de los faraones. Durante el reinado de la dinastía ptolemaica, heredera del imperio de Alejandro, se produjeron cambios significativos en el arte y la arquitectura. El retrato funerario, una forma de arte única en su época, floreció en el Egipto helenístico. Estilísticamente relacionados con las tradiciones de la pintura grecorromana, pero creados para necesidades típicamente egipcias, reemplazando las máscaras funerarias de las momias, los retratos de Fayum son imágenes sorprendentemente realistas de hombres y mujeres de todas las edades.

Dado que fue en la antigüedad donde se originaron los principios del claroscuro, la perspectiva lineal y aérea, probablemente valga la pena explorar este concepto.

Claroscuro

Con la ayuda del claroscuro puedes hacer que las plantas sean más expresivas y voluminosas. La superficie de cualquier objeto refleja los rayos de luz que inciden sobre él y deja una zona oscura en el suelo, llamada sombra. En aquella parte de la superficie donde no llegan los rayos de luz, se forma su propia sombra, y desde el borde de su propia sombra cae una penumbra hacia la luz. Los reflejos pueden ocurrir dentro de las propias sombras: la luz reflejada por otros objetos. Los reflejos son claramente visibles en objetos brillantes, que además contienen reflejos: puntos brillantes. Todas estas características de luces y sombras dependen de la ubicación del objeto en relación con la fuente de luz. Las gradaciones de color en claroscuro están determinadas por la intensidad de la iluminación, el color del objeto en sí y la densidad de la sombra.

Con la iluminación frontal, cuando la fuente de luz está delante del sujeto, las transiciones de la luz a la sombra son casi invisibles y la composición parece inexpresiva. Con la iluminación lateral, el claroscuro se vuelve más pronunciado y prominente. Cuando el objeto iluminado se encuentra entre la fuente de luz y el observador, aparece la luz de fondo. En este momento, el sol resalta la textura del objeto, enfatiza la silueta y su color se vuelve más brillante.

perspectiva lineal

Sus principios:

· figuras y objetos que sabemos que son del mismo tamaño nos parecen más pequeños cuanto más lejos están de nosotros;

· las líneas paralelas dirigidas desde el primer plano hacia la distancia tienden a converger en un punto ubicado en el infinito; estas líneas en tales proyecciones en la fotografía tienen un tamaño reducido y parecen más cortas de lo que realmente son.

Perspectiva aérea

Se caracteriza por la desaparición de la claridad y claridad de los contornos de los objetos a medida que se alejan de los ojos del observador. En este caso, el fondo se caracteriza por una disminución de la saturación del color (el color pierde su brillo, los contrastes de claroscuro se suavizan), por lo que la profundidad parece más clara que el primer plano. Los primeros estudios de los patrones de la perspectiva aérea se encuentran en Leonardo da Vinci. “Las cosas a distancia”, escribió, “os parecen ambiguas y dudosas; hazlos con la misma vaguedad, de lo contrario aparecerán a la misma distancia en tu foto... no limites las cosas que están lejos de los ojos, porque a distancia no sólo estos límites, sino también partes de los cuerpos son imperceptibles”. El gran artista señaló que la distancia entre un objeto y el ojo del observador está asociada con un cambio en el color del objeto. Por lo tanto, para transmitir la profundidad del espacio en una pintura, los objetos más cercanos deben ser representados por el artista con sus propios colores, los distantes adquieren un tinte azulado, “... y los últimos objetos visibles en él (en el aire - L.D.), como por ejemplo las montañas, debido a una gran cantidad de aire entre el ojo y la montaña aparece azul, casi el color del aire...”

Todas estas posibilidades de la pintura, cuya existencia a veces la gente ni siquiera se da cuenta, se crearon por primera vez precisamente en la época de la antigüedad.

fresco antiguo

El término "fresco" proviene de la expresión italiana "fresco": escribir sobre suelo de piedra caliza húmedo y aún fresco con pinturas (pigmentos) diluidas con agua o pintura.

Por supuesto, el concepto de pintura al fresco existía incluso antes de la antigüedad. Por ejemplo, durante el período de la cultura del Egeo (que fue el segundo milenio antes de Cristo), la pintura al fresco ya era ampliamente utilizada. Pero aún así, cada época suele aportar algo propio al arte. Lo mismo ocurre con el antiguo fresco.

Según Vitruvio, en la antigua Grecia se utilizaba yeso de cal en varias capas con una superficie alisada hasta dejarla brillante para decorar las paredes exteriores e interiores de los edificios. De los griegos, los romanos adoptaron la costumbre de pintar las paredes con yeso; más tarde apareció la pintura mural con mortero recién aplicado, lo que se llamó in udo (“en húmedo”). El revoque de cal se aplicó en siete capas, añadiendo arena a las inferiores y virutas de mármol a las superiores. Para evitar la aparición de grietas, se introdujo una pequeña cantidad de agua en las soluciones y las capas se compactaron durante la aplicación. La resistencia del revestimiento se logró añadiendo leche, ladrillo triturado, piedra pómez y, en casos raros, cáñamo y paja. Así, la piedra pómez se encontró en las pinturas murales de Pompeya, no sólo en el yeso, sino también en las capas de pintura, donde se utilizaba como cal. La aplicación de yeso en varias capas permitió ralentizar el proceso de secado y, por tanto, aumentar el tiempo de trabajo sobre una superficie húmeda. La elección de los aglutinantes para las pinturas dependía del tipo de pigmentos utilizados. Como aglutinante se utilizó cola animal, cal pura y sus mezclas con caseína, clara de huevo y cola. Para preservar la pintura, Vitruvio aconsejó que después de que el fresco se hubiera secado, se cubriera su superficie con una mezcla de aceite y cera, y luego se calentara y secara la cera derretida.

La tradición de utilizar “trucos” pintorescos en las paredes se remonta a la antigua Grecia y Roma. Un remedio infalible cuando es necesario ampliar visualmente los límites de una habitación es un fresco, que permite crear el interior deseado sin romper las paredes ni demoler el techo.

La invención de la técnica de pintar paredes en forma de trompe loel o "fresco trompe l'oeil" se atribuye históricamente al antiguo arquitecto romano Severo. A los antiguos romanos, según Petronio, les encantaban las orgías caseras. Estos hedonistas incansables los acogieron en los interiores de sus lujosas villas: tablinums, vestíbulos, triclinios y patios. Pero hay que decir que tanto los anfitriones como sus numerosos invitados sufrieron porque era imposible sentar a todos los presentes y luego hacerlos sentir cómodos. Y el arquitecto North, no seas tonto, recurrió a mistificaciones visuales. Los frescos representaban paisajes imaginarios, pero parecían vistas reales e hiperrealistas. Se percibían con más naturalidad, lo que desviaba a todo aquel que los contemplaba. Parecía que las lejanas distancias trazadas no eran más que una continuación de la habitación. Y no se acaba en un muro, sino que se precipita hacia los espacios virtuales. Si no se ajardinaban una, sino varias paredes del interior, se creaba una sensación de espacio inmenso que permitía al menos pasear mentalmente.

Mosaico en la antigüedad

moza? ika(fr. mosa What, italiano mosaico de lat. (opus) musivum - (obra) dedicada a las musas) - arte decorativo, aplicado y monumental de diversos géneros, cuyas obras implican la formación de una imagen disponiendo, colocando y fijando en la superficie (generalmente en un plano) múltiples Piedras de colores, esmaltes, baldosas cerámicas y otros materiales.

Los primeros mosaicos antiguos hechos de guijarros sin tratar se encontraron en Corinto y datan del final. siglo quinto antes de Cristo mi. Se trata de imágenes de contorno de personas, animales, criaturas mitológicas, decoradas con motivos geométricos y florales, generalmente realizadas en blanco sobre negro, estilísticamente cercanas a la pintura de jarrones de figuras rojas. Ejemplos similares del siglo IV. antes de Cristo mi. También se encuentra en Olynthos, Sikyon y Eretria. Un paso importante hacia el realismo se dio con los mosaicos de Pella (finales del siglo IV a.C.)

El apogeo de los mosaicos antiguos se produjo en la época helenística, cuando apareció la técnica del guijarro y estuvo disponible el vidrio coloreado, que permitió lograr un realismo pintoresco en las imágenes y utilizar una gama casi ilimitada de colores. Se considera que el monumento más antiguo donde se utilizó la técnica de clavado o teselado son los mosaicos de la ciudad siciliana de Morgantina (siglo III a. C.).

En la Antigua Roma, los mosaicos se utilizaban para revestir suelos y paredes de villas, palacios y baños. Los mosaicos romanos se hacían a partir de pequeños cubos de vidrio muy denso, pero el uso de pequeñas piedras y guijarros no era infrecuente.

En la antigüedad, los mosaicos estaban muy extendidos. Esto se debió al hecho de que este tipo de arte decorativo era relativamente económico.

En ese momento, el mosaico era el tipo de decoración más duradero para pisos de paredes, caminos y fachadas, porque abundaban piedras pequeñas, guijarros, escombros de rocas desmoronadas, es decir, material para mosaicos, en comparación con otros acabados. materiales. La cerámica apenas comenzaba a desarrollarse en ese momento, y hacer tejas a partir de enormes piedras monolíticas requería mucha mano de obra y era costosa. Este tipo de acabado, como el de los Apeninos y el de la madera griega, no era muy fiable ni duradero. La tecnología de construcción de edificios megalíticos ya es cosa del pasado. Es decir, el mosaico en ese momento se convirtió en el método de acabado más conveniente y extendido.

La primera técnica del mosaico y, en consecuencia, la más primitiva, se originó en Oriente Medio. Se llamó opus barbaricum (opus barbaricum). Esta técnica recibió una mejora significativa en Grecia. Este mosaico estaba hecho de guijarros de mar o río, pero no era demasiado brillante ni expresivo. Se encuentran en los santuarios y templos de la Antigua Grecia, desde los siglos VII al VI a.C. (santuario de Artemisa Ortia en Esparta, templo de Atenea Pronoia en Delfos). También se encontraron en España, Sicilia (mosaicos de la Motia cartaginesa, en el palacio de Ai Khanum en Afganistán) y en la capital de Macedonia (mosaicos de los siglos IV-III a.C., que son ejemplos de pintura monocromática, como “Dioniso sobre un leopardo ", "Caza de ciervos", "Caza de leones").

Con el paso del tiempo, las posibilidades pictóricas de la técnica barbaricum prácticamente se habían agotado. Los artistas mosaicos pasaron a utilizar minerales triturados. Esto llevó a la invención de nuevas técnicas. La necesidad de nuevas técnicas también fue causada por el surgimiento de nuevos principios estéticos, incluida la necesidad de mantener el color local y el diseño definido sin el uso obligatorio de placas separadoras y de color de plomo o terracota, características de los barbaricums. La técnica de composición tipográfica de mosaicos a partir de trozos de piedra fragmentados recibió el nombre de opus tesselatum (opus tesselatum) en honor al elemento original, una piedra cúbica, la tesela. Al principio, las teselas aparecían en un mosaico de forma bastante aleatoria y principalmente en pavimentos de guijarros, luego, a medida que dominaban la tecnología y la técnica de trabajar con mosaicos teselado y se daban cuenta de sus ventajas pictóricas, se comenzaron a recolectar fragmentos o secciones individuales del mosaico de las teselas. .

Con el tiempo, los artistas dejan de utilizar cantos rodados redondeados en sus mosaicos y mejoran y complican el diseño en sí. Las costuras entre los elementos del mosaico se vuelven más pequeñas y la superficie del patrón se pule. La técnica del opus tesselatum es el mosaico que estamos acostumbrados a ver y percibir como un clásico del mosaico romano. El uso de esmaltes de colores ayudó a que el mosaico fuera más vibrante y pintoresco. El descubrimiento de las tecnologías del vidrio enriqueció a los artistas del mosaico con nuevas posibilidades para utilizar el color y las luces.

El desarrollo de nuevas tecnologías llevó a la creación de una nueva técnica: el opus vermiculatum (opus vermiculatum). Esta técnica se acerca al mosaico teselado y sin duda es un derivado del mismo. Se mantuvo el principio de conjunto, común a ambas técnicas, pero el conjunto se formó a partir de elementos que eran casi un orden de magnitud más pequeños, y las posibilidades de transmitir efectos pictóricos son incomparables con cualquier otro tipo de arte mosaico. La complejidad de la técnica del vermiculatum impone inevitablemente ciertas restricciones en el tamaño de la obra, sin embargo, con esta técnica se crearon mosaicos-pinturas artísticas y mosaicos-ilustraciones, que se convirtieron en obras maestras del arte monumental y decorativo de la Antigua Roma.

Las obras más memorables realizadas con esta técnica pueden considerarse obras de arte en mosaico como "Palomas en una copa" de la Villa Adriana en Tibur, "Escena de caza" en la Piazza della Vittoria en Panorma (Palermo) en Sicilia, "El jinete del tigre". " (finales del siglo II aC), "Habitantes de las profundidades del mar" de la Casa del Fauno en Pompeya, dos mosaicos de Dioscuro de Samos de la Villa de Cicerón en Pompeya - "Desayuno de mujeres" y "Músicos".

La técnica del opus vermiculatum (opus vermiculatum) es más minuciosa y costosa que el opus tesselatum (opus tesselatum), por lo que el tamaño de la obra, por regla general, no era más de uno o dos metros cuadrados. Pero aún así, algunos de los artistas del mosaico lograron crear obras que exceden estas dimensiones. Se encontraron al menos dos de estos mosaicos: “La batalla de Alejandro Magno con el rey persa Darío” de la Casa del Fauno en Pompeya (5,12 * 2,71 m) y “Paisaje del Nilo” en el Santuario de Fortuna Primigenia en Palestrina (5,85 * 4,31 m.), finales del siglo II - principios del I a.C.

Alrededor del siglo III a.C. nació otra técnica de pavimentación: el opus sectile (opus sectile. Este conjunto de mosaicos, el más prestigioso y caro, decoraba los locales más majestuosos, tanto eclesiásticos como seculares. Esta técnica es un conjunto de mosaicos de finas placas de piedra natural cortadas en una forma especial (fueron posteriormente elaborado con otros materiales), cuya principal ventaja fue la manifestación de la estructura interna del material y una importante ampliación de la paleta de colores. "Opus Sectile" es un ancestro lejano de lo que hoy llamamos mosaico florentino.

Mosaico antiguo. Grecia clásica

El acabado de suelos con guijarros también era común en la Grecia arcaica (siglos VIII-VI a. C.): los suelos de guijarros se conservaron en el santuario de Artemisa Ortia en Esparta y en el templo de Atenea Pronoia en Delfos (siglos VII-VI a. C.). Pavimento sin ornamentación.

El mosaico griego más antiguo con un patrón se encontró en Corinto y pertenece a la época clásica, finales del siglo V. antes de Cristo mi.

La cuestión de la conexión entre los mosaicos frigios y los griegos es discutible, sin embargo, los científicos se inclinan a concluir que el desarrollo del arte mosaico griego fue independiente.

Un panel de mosaico de Corinto representa una rueda enmarcada por tres filas de bordes: triángulos, meandros y ondas, motivos ornamentales que se han convertido en una especie de símbolos gráficos de la cultura griega. En las esquinas de la plaza en la que están inscritas las imágenes, se encuentran las figuras de un centauro persiguiendo a un leopardo y un burro.

Las figuras están representadas en el panel delineadas de perfil, sin ningún intento de darles volumen, en dos colores (blanco sobre negro).

El principio colorista de "blanco sobre negro" se formó bajo la influencia del arte de la pintura de jarrones, en el que fue en este momento cuando la pintura de figuras rojas reemplazó a la pintura de figuras negras. La iconografía de muchas escenas de la trama también se tomó prestada de la pintura del jarrón.

Mosaicos griegos del siglo V. también conservado en Olynthos, el Peloponeso, Ática y Eubea.

Si en la época arcaica la decoración con guijarros estaba muy extendida principalmente en la arquitectura de los templos, en la época clásica tardía los mosaicos se encuentran principalmente en interiores privados. Esto habla del deseo de los ciudadanos ricos de tener elegancia y comodidad en sus hogares.

Y en esta época (siglo VIII a. C.) en Grecia, la era de Homero, el legendario poeta Aed, a quien se le atribuye la autoría de la Ilíada y la Odisea. 776 AC mi. - Con la fecha de los primeros Juegos Olímpicos comienza la historia de Grecia y la antigüedad en general.

La expresión "nudo gordiano" es ampliamente conocida: así se llama cualquier problema confuso e intratable. Según la leyenda, el rey Gordio, que da nombre a la ciudad, ató su carro en el templo de Zeus con un nudo tal que nadie podía desenredarlo. El oráculo predijo que la persona que pudiera hacer esto conquistaría el mundo entero.

La solución se encontró siglos después, en el año 334 a.C. mi. la ciudad se rindió a las tropas de Alejandro, éste entró en el templo y con un movimiento de su espada cortó el nudo.

Aunque las imágenes son todavía esquemáticas, el material no cuesta nada, y en sí mismo es simple: rara vez se utilizan incluso los guijarros de colores, por no hablar del mármol, otras piedras raras, el vidrio coloreado y el oro, que aparecerán siglos después, pero el mosaico ya se ha consolidado en su papel de método de decoración de élite, que sigue siendo insuperable hasta el día de hoy.

Se encuentra sólo en unas pocas casas, y en la casa misma sólo las habitaciones más importantes desde el punto de vista de la presentación y posicionamiento del propietario de la casa en la sociedad, los andrones, están decoradas con mosaicos.

Por lo general, los paneles de mosaico se disponían de acuerdo con el siguiente patrón: como una alfombra en el piso del pasillo adyacente al andrón, luego una pequeña alfombra en la puerta y, finalmente, un panel en el centro de la habitación.

Dado que el panel debía tener la misma visibilidad para todos los invitados situados a su alrededor, normalmente tenía una composición céntrica.

Entre los motivos pictóricos se utilizan imágenes vegetales estilizadas de palmetas, hojas de acanto, rizos de hiedra, flores de loto y trompetas de ángeles.

Las figuras incluyen imágenes de un león, un grifo, un guepardo, un águila y figuras humanas.

Algunos motivos de los paneles de mosaico griego están tomados del arte textil de Oriente.

Andron (baño de hombres): parte de una antigua casa griega, destinada a hombres que se reunían para simposios, conversaciones y cenas. Eran las habitaciones más bellas de la casa: estaban decoradas con mosaicos, frescos y estatuas.

Empujar o teselar

Las fuentes informan que durante la campaña de Alejandro, se llevaban especialmente para él losas decoradas con mosaicos, con las que recubrían el suelo de su tienda durante los campamentos.

La fijación tetraédrica de los bordes de los guijarros del mosaico, así como la fijación individual de cada piedra en su lugar, garantizan un ajuste más estrecho entre ellos y un detalle más minucioso; todo esto juega a favor del realismo y el pintoresquismo de la imagen.

El corte o mosaico de guijarros se inició en el siglo III, y durante mucho tiempo se utilizaron técnicas mixtas: guijarros y piedra trabajada. El proceso de desarrollo de una nueva tecnología no es lineal y es esporádico: es imposible decir con certeza ni el momento ni el lugar de la “invención” de los mosaicos teselado: este es un momento de experimentación.

Actualmente, los primeros monumentos en los que se utilizó la técnica del mosaico en su forma pura sin el uso de técnicas de guijarros son los paneles de mosaico de la pequeña ciudad siciliana de Morgantina.

En todos los mosaicos, no sólo se utilizan las mismas teselas cúbicas, sino también teselas fijadas específicamente para áreas específicas del patrón.

El más famoso de ellos es el "Mosaico de Ganímedes", que representa el momento del rapto de Ganímedes por el águila de Zeus.

Sin duda, aquí el maestro se guía por un modelo pictórico, sin embargo, las teselas utilizadas son demasiado grandes para transmitir la pintura de manera realista; aquí la teselación aún no muestra todas sus capacidades.

El centro de la industria artística del más alto nivel y la cuna de muchas técnicas artesanales fue Alejandría, la capital del Egipto ptolemaico, fundada en el 332 a.C. e., sin embargo, no hay razón para afirmar su primacía en la historia de la nueva tecnología del mosaico.

Se considera que el primer panel de mosaico en el que se utiliza la teselación con toda su fuerza es el mosaico de la ciudad egipcia de Tmuis en el delta del Nilo.

En la parte central del panel hay un retrato de busto de una mujer con traje militar, con el peinado decorado con un elemento en forma de proa de barco, sosteniendo una bandera de barco.

Hay dos versiones que interpretan la imagen del mosaico: la mayoría considera que la imagen es una personificación de la ciudad de Alejandría, algunos consideran que es un retrato de la verdadera reina Berenice II. El retrato está enmarcado por una triple cenefa formada por teselas lisas y muy ajustadas, de entre 1 y 0,4 cm2. El tamaño de las teselas del retrato en sí es aún más pequeño y en algunos lugares alcanza 0,1 cm2, lo que permite lograr detalles increíbles.

La combinación de colores de la obra también es fundamentalmente nueva: ya no es “blanco sobre negro”, sino un retrato en colores naturales sobre un fondo azul claro. Los medios tonos y las transiciones de color se utilizan libremente.

Ganímedes es hijo del rey troyano Tros y de la ninfa Calírhoe en la mitología griega. Debido a su extraordinaria belleza, fue secuestrado por Zeus, quien se transformó en águila y lo llevó al Olimpo, donde sirvió como copero, derramando néctar a los dioses en las fiestas. Según otra versión, ascendió al cielo en forma de la constelación zodiacal de Acuario. La trama de “El rapto de Ganímedes” es una de las más populares de las bellas artes antiguas y europeas.

La muestra representa la técnica del opus vermiculatum en todo su desarrollo: las piezas más pequeñas de piedra, dispuestas como exige la propia naturaleza de la imagen.

Uno de los centros del arte mosaico de la época helenística fue Pérgamo. Entre los muchos maestros de Pérgamo, uno fue especialmente famoso y su nombre ha llegado hasta nosotros: Sos. Sólo un nombre inmortalizado por la tradición historiográfica en la persona de uno de los historiadores romanos, Plinio el Viejo, y ni una sola obra, sólo descripciones.

Sos no solo creó hábiles paneles de mosaico: creó los temas más de moda para los paneles, que luego fueron elegidos por muchos, entre ellos los llamados. asarotos oikos ("lugar sin limpiar").

Berenice II es la esposa de Ptolomeo III Evergetes, el tercer gobernante del Egipto helenístico. Para que su marido regresara felizmente de una campaña militar, donó su cabello a Afrodita y lo colocó en el templo de la diosa, de donde desapareció misteriosamente. El astrónomo Conón de Samos explicó esto diciendo que fueron llevados al cielo y convertidos en una constelación llamada Coma de Berenice.

Se conoce una copia o interpretación de este mosaico realizada por el maestro Heráclito. Muestra con el mayor realismo posible... sobras esparcidas por el suelo después de una cena lujosa: esqueletos de pescado, huesos de pollo, cáscaras, nueces, restos de uvas y... un ratón acercándose ya a esta “riqueza”.

Sin embargo, Sos no fue sólo un autor en el espíritu del trash-design. Por el texto de Plinio también conocemos otra obra famosa pero no conservada de Sos: una paloma inclinada sobre un espejo para beber agua y reflejándose en él, una trama que no sólo se puso de moda, sino que sobrevivió a la antigüedad misma durante medio milenio: sus ecos pueden ser Se encuentra incluso en la decoración de mosaicos del Mausoleo de Gala Placidia, una obra maestra del arte mosaico paleocristiano del siglo V. norte. mi.

Como en el caso de asarotos oikos, esta trama del maestro Sosa pasó a ser interpretada por otro maestro. Además, este es uno de los primeros ejemplos del uso de teselas hechas de vidrio pequeño, opacificado (opaco), fabricado en Egipto.

Pérgamo es la capital de uno de los cuatro reinos helenísticos y uno de los centros económicos y culturales del mundo helenístico. Aquí se encontraba la segunda biblioteca más grande (después de Alejandría) de la antigüedad. Aquí también se inventó el pergamino, un material de escritura hecho de piel de animal sin curtir, utilizado antes de la aparición del papel.

pintura de jarrón

cuadro fayum retrato claroscuro fresco

pintura de jarrón- pintura decorativa ornamental o figurativa de vasijas, realizada casi exclusivamente con métodos cerámicos, es decir, con pinturas especiales seguidas de cocción.

Pintura de jarrones antiguos: pintura de vasijas de cerámica antiguas. La pintura de jarrones antiguos alcanzó su apogeo en el arte de la Antigua Grecia. Los jarrones estaban cubiertos con barniz negro, blanco, violeta, azul, rosa, rojo, amarillo y dorado.

Pintura de jarrones de la antigua Grecia

La pintura de vasijas de la antigua Grecia es una pintura decorativa de vasijas realizadas con métodos cerámicos, es decir, pinturas especiales seguidas de cocción. Abarca el periodo que va desde la cultura minoica pregriega hasta el helenismo, es decir, a partir del 2500 a.C. mi. e incluyendo el último siglo antes del advenimiento del cristianismo.

La cerámica griega es el hallazgo más común en la investigación arqueológica de la antigua Grecia; se puede encontrar en toda el área de asentamiento de los antiguos griegos. Además de la metrópoli griega, que coincidía en gran medida con el territorio de la Grecia moderna, incluye: la costa occidental de Asia Menor, las islas del mar Egeo, la isla de Creta, en parte la isla de Chipre y zonas habitadas del sur de Italia. por los griegos. Como producto de exportación, la cerámica griega, y con ella la pintura de vasijas griegas antiguas, llegó a Etruria, Oriente Medio, Egipto y el norte de África. Incluso se encuentra cerámica griega pintada en los entierros de la nobleza celta.

Los primeros objetos de pintura de vasijas griegas se encontraron en los tiempos modernos en entierros etruscos. Por lo tanto, originalmente fueron clasificados como arte etrusco o itálico. Johann Joachim Winkelmann fue el primero en declarar el origen griego de los hallazgos, pero su origen griego finalmente se estableció sólo a partir de los primeros hallazgos arqueológicos de finales del siglo XIX. en Grecia. Desde el siglo XIX La pintura de vasijas griegas antiguas es un área importante de investigación en la arqueología clásica.

Los antiguos griegos pintaban todo tipo de cerámica utilizada para almacenamiento, comida, rituales y fiestas. Las obras de cerámica, decoradas con especial cuidado, fueron donadas a templos o invertidas en entierros. Se han conservado decenas de miles de vasijas de cerámica y sus fragmentos, que han sido sometidas a una fuerte cocción y son resistentes a las influencias ambientales, por lo que la pintura de vasijas griegas antiguas es indispensable para establecer la edad de los hallazgos arqueológicos.

Gracias a las inscripciones de los jarrones se han conservado los nombres de muchos alfareros y pintores de jarrones, que se remontan al período Arcaico. Si el jarrón no está firmado, para distinguir entre los autores y sus obras y estilos de pintura, es costumbre que los historiadores del arte den nombres de “servicio” a los pintores de jarrones. Reflejan el tema de la pintura y sus rasgos característicos, o indican el lugar de descubrimiento o almacenamiento de los correspondientes objetos arqueológicos.

Estilos protogeométricos y geométricos.

Con el declive de la cultura micénica tras la invasión doria, se perdieron todos los logros de la pintura de vasijas anterior. Desde hace aproximadamente un siglo existe cerámica submicénica que se caracteriza por una total falta de ornamentación (en casos raros está decorada con unas pocas líneas simples). Alrededor del 1050 a.C. mi. Los motivos geométricos se extendieron por todo el arte griego. En las primeras etapas (estilo protogeométrico) antes del 900 a.C. mi. Los platos de cerámica generalmente estaban pintados con patrones grandes y estrictamente geométricos. Las decoraciones típicas de los jarrones también eran círculos y semicírculos dibujados con un compás. La alternancia de patrones geométricos de patrones se estableció mediante diferentes registros de patrones, separados entre sí por líneas horizontales que rodean la vasija. Durante el apogeo de la geometría, a partir del 900 a.C. e., hay una complicación de los patrones geométricos. Aparecen complejos meandros simples y dobles que se alternan. Se les añaden imágenes estilizadas de personas, animales y objetos. Carros y guerreros en procesiones a modo de frisos ocupan las partes centrales de jarrones y cántaros. En las imágenes predominan cada vez más los colores negro, menos a menudo rojo, sobre fondos claros. A finales del siglo VIII. antes de Cristo mi. Este estilo de pintura desaparece en la cerámica griega.

Período orientalizante

Desde el 725 a.C. mi. Corinto ocupa una posición de liderazgo en la producción de cerámica. El período inicial, que corresponde al estilo orientalizante o protocorintio, se caracteriza en la pintura de vasijas por un aumento de frisos con figuras e imágenes mitológicas. La posición, el orden, la temática y las imágenes en sí estaban influenciadas por muestras orientales, que se caracterizaban, en primer lugar, por imágenes de grifos, esfinges y leones. La técnica de ejecución es similar a la pintura de jarrones con figuras negras. Por lo tanto, en aquella época ya se utilizaba la triple cocción necesaria para ello.

Pintura de jarrón de figuras negras

De la segunda mitad del siglo VII. hasta principios del siglo V. antes de Cristo mi. La pintura de jarrones con figuras negras se convirtió en un estilo independiente de decoración de cerámica. Las figuras humanas empezaron a aparecer cada vez con más frecuencia en las imágenes. Los esquemas compositivos también han sufrido cambios. Los motivos más populares de las imágenes de los jarrones son las fiestas, las batallas y las escenas mitológicas que cuentan la vida de Hércules y la guerra de Troya. Como en el periodo orientalizante, las siluetas de las figuras están dibujadas con barbotina o arcilla brillante sobre barro seco sin cocer. Los pequeños detalles fueron dibujados con lápiz. El cuello y el fondo de las vasijas estaban decorados con motivos, incluidos adornos a base de plantas trepadoras y hojas de palma (las llamadas palmetas). Después de la cocción, la base se volvió roja y la arcilla brillante se volvió negra. El color blanco se utilizó por primera vez en Corinto, principalmente para reflejar la blancura de la piel de las figuras femeninas.

Otros centros de producción cerámica, como Atenas, adoptaron la técnica del estilo de pintura de vasijas corintias. Hacia el 570 a.C. mi. Atenas incluso superó a Corinto en la calidad de sus jarrones y en la escala de producción. Estos jarrones atenienses fueron llamados “cerámica ática de figuras negras” en la historia del arte.

Por primera vez, los alfareros y pintores de jarrones comenzaron a firmar con orgullo sus obras, gracias a lo cual sus nombres se conservaron en la historia del arte. El artista más famoso de este período es Exekius. Además de él, son ampliamente conocidos los nombres de los maestros pintores de vasijas Pasiada y Chares. Desde 530 a.C. mi. Con la llegada del estilo de figuras rojas, la pintura de jarrones con figuras negras perdió su popularidad. Pero también en el siglo V. antes de Cristo mi. Los ganadores de las competiciones deportivas en las llamadas Panateneas recibieron ánforas panatenaicas fabricadas con la técnica de las figuras negras. A finales del siglo IV. antes de Cristo mi. Incluso hubo un breve período de renacimiento de la pintura de vasijas de figuras negras en la pintura de vasijas etruscas.

Pintura de jarrón de figuras rojas

Los jarrones de figuras rojas aparecieron por primera vez alrededor del 530 a.C. mi. Se cree que esta técnica fue utilizada por primera vez por el pintor Andokidas. En contraste con la distribución de colores ya existente para la base y la imagen en la pintura de jarrones con figuras negras, comenzaron a pintar de negro no las siluetas de las figuras, sino el fondo, dejando las figuras sin pintar. Los detalles más finos de las imágenes se dibujaron con cerdas individuales sobre figuras sin pintar. Diferentes composiciones de barbotinas permitieron obtener cualquier tono de marrón. Con la llegada de la pintura de jarrones con figuras rojas, la oposición de dos colores comenzó a jugarse en jarrones bilingües, en un lado de los cuales las figuras eran negras y en el otro, rojas.

El estilo de figuras rojas enriqueció la pintura de vasijas con una gran cantidad de temas mitológicos; además de ellos, en los jarrones de figuras rojas hay bocetos de la vida cotidiana, imágenes femeninas e interiores de talleres de alfarería. Se logró un realismo sin precedentes en la pintura de jarrones a través de complejas representaciones de carruajes tirados por caballos, estructuras arquitectónicas e imágenes humanas en vistas de tres cuartos y desde atrás.

Los vasógrafos comenzaron a utilizar firmas con mayor frecuencia, aunque los autógrafos de los alfareros todavía predominan en los jarrones. Los alfareros dejaron una firma con su nombre en combinación con un verbo griego antiguo. ???????? (ep. óiesen - lo hizo), y pintores de jarrones, griegos antiguos. ??????? (grabar - dibujó). Si el propio pintor de jarrones hizo el recipiente para pintar, entonces puso ambos "sellos". Gracias a las firmas, fue posible atribuir muchas obras de arte cerámico a maestros específicos, y al mismo tiempo tener una idea de su desarrollo creativo.

Ya en el siglo V. antes de Cristo mi. En la Baja Italia surgieron famosos talleres que trabajaban con este estilo de pintura de vasijas y competían con los talleres de pintura de vasijas del Ática. El estilo de las figuras rojas fue copiado en otras regiones, donde, sin embargo, no recibió mucho reconocimiento.

Pintura de jarrón sobre un fondo blanco.

Para pintar jarrones de este estilo se utilizó como base pintura blanca, sobre la que se aplicaron figuras negras, rojas o multicolores. Esta técnica de pintura de vasijas se utilizó principalmente en la pintura de lekytos, aribales y alabastrones.

Centros de pintura de jarrones

Atenas y Corinto en el Ática se consideran los centros más importantes del arte de la cerámica y, en consecuencia, de la pintura de vasijas, en Grecia. También se hicieron famosos los jarrones de Beocia y Laconia.

Gracias a las colonias griegas en la Baja Italia, su cerámica y pintura de vasijas se extendieron a esta región. Desde el siglo VIII. antes de Cristo mi. La cerámica griega fue imitada por los artesanos italianos, quizás gracias a los artesanos griegos que se establecieron en Italia. A partir del siglo IV. antes de Cristo mi. Italia desarrolla un estilo propio, diferente a los ejemplos griegos. Las pinturas de vasijas de la Baja Italia se distinguen por su tamaño y riqueza decorativa, en las que, además de los colores tradicionales, se utilizaban pinturas blancas y rojas.

Los jarrones fueron pintados principalmente con motivos de la vida de los dioses y héroes griegos, pero también hay escenas cotidianas. Numerosos jarrones que se conservan, por ejemplo, representan banquetes de boda o escenas de la vida de los atletas. A menudo se encuentran escenas eróticas en los jarrones. Una forma especial del estilo italiano bajo de pintura de jarrones son los "jarrones de naisk", que recibieron su nombre en consecuencia del naisk representado en ellos y estaban destinados a rituales funerarios.

Forma

Una vez que la arcilla adquirió la consistencia requerida, se amasó cuidadosamente con los pies (Herodoto II 36) y se dividió en pedazos. La arcilla se colocó en el torno de alfarero y se centró para que no hubiera vibraciones durante la rotación. El torno de alfarero giratorio era conocido en Grecia allá por el segundo milenio antes de Cristo. e., se describe en la Ilíada (XVII 599-601). También hay imágenes antiguas en las que un aprendiz de alfarero, sentado en una silla o en cuclillas, ponía en movimiento el torno de alfarero.

Después de centrarse en el torno de alfarero, se creó el cuerpo de la futura vasija. Si la altura del futuro barco excedía la longitud del brazo del capitán, entonces se ensamblaba a partir de varias partes. Las piezas terminadas se cortaron del torno de alfarero utilizando una cuerda, cuyas huellas se pueden encontrar en los jarrones terminados. Las patas y asas de las vasijas, así como las decoraciones aplicadas (por ejemplo, máscaras en relieve) se esculpieron por separado y se unieron al cuerpo con arcilla líquida. Las vasijas terminadas se colocaron en un lugar seco y oscuro para que se secaran lentamente en condiciones naturales para evitar grietas. Después de que la arcilla se endureció un poco, la vasija fue "desenroscada" del torno de alfarero. A continuación, el alfarero cortó el exceso de arcilla y formó bordes afilados típicos de la cerámica antigua en el borde y las patas de la vasija.

cuadro

La cerámica se pintó antes de cocerla. Primero se limpió el recipiente con un paño húmedo y luego se cubrió con una solución diluida de barbotina o pinturas minerales, lo que le dio al jarrón un tinte rojizo después de la cocción. Los vasógrafos pintaban vasijas directamente sobre el torno de alfarero o las sostenían con cuidado sobre sus regazos. Esto se evidencia en numerosas imágenes de jarrones terminados, así como en los rechazados después de la cocción y en productos sin terminar.

Las imágenes de jarrones en estilos geométrico, orientalizante y de figuras negras probablemente se aplicaron con un pincel. Durante el período geométrico tardío, la pintura de jarrones utilizaba pintura de fondo blanca que, al haberse desconchado en algunos lugares, revela detalles que los pintores de jarrones intentaban ocultar de las miradas indiscretas. Las muescas en las vasijas eran características de la pintura de jarrones con figuras negras y, muy probablemente, esta técnica fue tomada prestada de grabadores artesanales. Para estas obras, los pintores de jarrones utilizaron un estilo de metal afilado. Incluso en la era de la protogeometría, los pintores de jarrones conocían el compás, con el que marcaban círculos y semicírculos concéntricos en los jarrones. A partir del período protocorintio medio, se han descubierto bocetos que los pintores de jarrones aplicaban a la cerámica pintada con un palo de madera afilado o una herramienta de metal. Estas marcas desaparecieron durante el disparo. Las pinturas de jarrones en estilo de figuras rojas a menudo iban precedidas de bocetos. Se pueden encontrar en algunas vasijas donde se muestran en la imagen final. Un ejemplo es el ánfora de Cleofrades, que representa a un sátiro con una lanza que, según el plan original, debería haber estado vestido con una armadura de pecho. Las imágenes de figuras rojas sin terminar muestran que los pintores de jarrones a menudo delineaban sus bocetos con una franja de hasta 4 mm de ancho, que a veces es visible en los productos terminados. Para los contornos del cuerpo se utilizó una línea en relieve que sobresale, que es claramente visible en los vasos de figuras negras. Otros detalles se pintaron con pintura negra intensa o pintura de fondo diluida hasta obtener un tinte marrón. Finalmente, con un pincel grande se pintó de negro el fondo de la vasija o la parte frontal del cuenco.

A las vasijas se les aplicaron diversas inscripciones: firmas de alfareros y pintores de jarrones, firmas de imágenes e inscripciones-dedicatorias laudatorias. A veces el precio del producto o la marca del fabricante estaban grabados en el fondo de las vasijas.

Bibliografía

1.#"justificar">2. http://ru.wikipedia.org/wiki/Vase Painting of_Ancient_Greece

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En la antigua Roma, los mosaicos se utilizaban mucho para decorar los interiores de edificios públicos y casas privadas, la demanda era muy alta, por lo que la calidad podía variar.

El mosaico fue hecho de piedra natural...

O vidrio de color pequeño.

A diferencia del Antiguo Egipto, Mesopotamia y otras civilizaciones antiguas, en la Antigua Roma, como en la Antigua Grecia, utilizaron el principio de imagen volumétrico-espacial.

En la pintura romana antigua, incluidos los mosaicos, se utilizan casi todos los géneros.
Los más populares fueron los géneros mitológicos y cotidianos.

Odiseo. Mosaico de la Casa de Odiseo y Dioniso en Dougga. siglo III

Este mosaico se puede clasificar tanto en un género doméstico como en un retrato de grupo.

Filósofos. Mosaico del Museo Arqueológico de Nápoles.

El género histórico es mucho menos común, ¡pero qué calidad!


Batalla de Isa. Pompeya.

Los retratos, especialmente los de mujeres, suelen estar idealizados.

La naturaleza muerta es uno de los géneros más populares. Los mariscos son especialmente amados.

Siglo II. Museo Vaticano.

Los artistas romanos representaban con mucha frecuencia pájaros y animales.
Siempre son reconocibles y muy expresivos.
Mosaico del Museo Arqueológico de Nápoles.

Las pinturas en mosaico a menudo estaban rodeadas por un amplio marco ornamental.
Mosaico del Museo Británico.

Los propios mosaicos ornamentales también eran bastante comunes. La variedad de adornos es asombrosa.

Rasgos característicos El esplendor de las composiciones decorativas El esplendor de las composiciones decorativas Riqueza de temas Riqueza de temas Variedad de técnicas artísticas Variedad de técnicas artísticas Dominar la perspectiva aérea Dominar la perspectiva aérea Imagen detallada del entorno humano Imagen detallada del entorno humano

Rasgos característicos Inmediatez de la percepción del mundo circundante Inmediatez de la percepción del mundo circundante El deseo de mostrar a una persona real, su mundo interior y su belleza física El deseo de mostrar a una persona real, su mundo interior y su belleza física

Retrato de Paccio Próculo y su esposa Hacia el año d.C. mi. Alto 58 cm Fresco Nápoles.

Cristo es una deidad solar. Mosaico de la tumba de Julia, descubierto bajo la Catedral de San Pedro. Pedro años d.C. mi. Roma

Invierno. Mosaico de la composición "Cuatro Estaciones" de El Jem, Túnez, segunda mitad del siglo IV d.C. mi.

Cabeza de león. Mosaico de una villa cerca de Piazza Armerina, Sicilia AD. mi.

Tarea creativa La cultura romana es en muchos aspectos similar a la griega. ¿Se le puede llamar único e inimitable? Algunos científicos consideran que la civilización romana es imitativa y demasiado utilitaria, y ven en ella la última etapa de una única civilización grecorromana o antigua. Otros afirman. Que Roma creó una civilización única, original y con su propio sistema de valores. La cultura romana es similar a la cultura griega en muchos aspectos. ¿Se le puede llamar único e inimitable? Algunos científicos consideran que la civilización romana es imitativa y demasiado utilitaria, y ven en ella la última etapa de una única civilización grecorromana o antigua. Otros afirman. Que Roma creó una civilización única, original y con su propio sistema de valores. ¿Cual es tu opinion? ¿Cual es tu opinion?